La tercera edición de FULGOR, exposición de artistas latinoamericanos organizada por la plataforma ALTERFOCUS, regresa al mismo emplazamiento del año pasado: un antiguo späti de Berlín, junto a la estación de Gesundbrunnen. Desbandada ha seguido el desarrollo de este colectivo desde su primera edición en un viejo embarcadero junto al río. Este año recibirá a todos los interesados en el arte el sábado 1 de noviembre de 2025, de 17:00 a 23:00. Publicamos aquí la descripción completa del evento ofrecida por ALTERFOCUS que incluye la información de los artistas invitados. Entradas aquí.
¡ATENCIÓN! La revista DESBANDADA regala dos entradas para FULGOR III a las dos dos personas que primero de inscriban y envíen un mensaje con la palabra FULGOR III a redacciondesbandada@gmail.com
Cortesía de ALTERFOCUS.
Qué es FULGOR
Es un evento cultural nómada que transforma sitios urbanos cotidianos en encuentros culturales breves pero intensos. Cada edición combina arte visual, música en vivo y DJ sets en espacios no convencionales, colapsando las fronteras que tradicionalmente separan la galería, el club y la vida pública. El evento destaca las prácticas creativas latinoamericanas en Berlín mientras da la bienvenida a audiencias de todos los orígenes, invitando a todas las personas a compartir una noche de descubrimiento e intercambio. Esta edición incluye una exposición de arte, un DJ set y un concierto en vivo, acompañados por una selección exclusiva de Vinos Calot, importados directamente desde Argentina y no disponibles comúnmente en Berlín.
Tercera edición
FULGOR regresa en su tercera edición para seguir energizando el circuito cultural independiente de Berlín. El sábado 1 de noviembre de 2025, de 5:00 PM a 11:00 PM, un antiguo Späti en Gesundbrunnen será temporalmente reconvertido en un espacio para el arte, la música y el encuentro comunitario. Como en ediciones anteriores, la curaduría está dirigida por Hannah Grimmer, investigadora y curadora formada en la Universidad de Leipzig (Estudios Culturales; Lenguas y Literaturas Romances) con una Maestría en Estudios Curatoriales de la Universidad Goethe y la Academia de Bellas Artes de Frankfurt. Su rigurosa selección reúne prácticas que operan a través de diversos medios y registros conceptuales.
Esta edición pone en primer plano artistas cuyo trabajo comparte una atención práctica a los materiales y procesos, y un rechazo a las narrativas ordenadas. El programa reúne las investigaciones materiales de Fernanda Porto Art sobre resinas y superficies reactivas, las reflexiones de Yoel Díaz Vázquez basadas en archivos y dibujos sobre la carne y la memoria, las meditaciones de Lila Papaya basadas en el bordado sobre el tiempo y el cuidado, y las indagaciones pictóricas y performáticas de Muriel Gallardo Weinstein sobre política y memoria. Estas prácticas visuales se sitúan junto a proyectos sonoros que se mueven entre la composición, la canción y los DJ sets curados: las composiciones híbridas de Isa Otoya de voz, guitarra y electrónica, y el enfoque de DJ de Francisca Poch que conecta la electrónica leftfield, ritmos regionales y sonoridades de club experimental. Juntos, los trabajos forman una constelación dispersa—un conjunto de métodos para atender a la materia, la memoria y la presencia dentro de una sola noche.
Participantes
Haz clic en los nombres para acceder a la información de los artistas.
Fernanda Porto Art (Medios Mixtos – Esculturas de Pared / Brasil)
Muriel Gallardo Weinstein (Artes visuales interdisciplinarias / Chile)
Lila Papaya (Artes textiles y bordado / Colombia)
Yoel Díaz Vázquez (Artes visuales interdisciplinarias / Cuba)
Puntos destacados del programa
Exposición de arte con obras de Fernanda Porto Art (Medios Mixtos – Esculturas de Pared / Brasil), Muriel Gallardo Weinstein (Artes visuales interdisciplinarias / Chile), Lila Papaya (Artes textiles y bordado / Colombia) y Yoel Díaz Vázquez (Artes visuales interdisciplinarias / Cuba).
DJ set de Francisca Poch (Chile).
Concierto en vivo de Isa Otoya (Perú).
🍷 Bebida oficial: Vinos Calot (Argentina)
Qué hace a FULGOR único
FULGOR se define por su naturaleza inclusiva y accesible. Su producción es completamente autogestiva, operando sin financiamiento externo—una elección que garantiza total independencia y libertad creativa.
Las artistas no pagan tarifas para participar, y reciben el 100% de las ganancias de la venta de sus obras de arte, un gesto que rompe con los modelos convencionales de galerías y ferias. Las ventas de entradas se utilizan únicamente para sostener la logística del evento, manteniendo la plataforma viva y autónoma.
Este compromiso refleja el principio central de FULGOR: crear un espacio genuino y abierto donde artistas y audiencias se encuentran en igualdad de condiciones—sin jerarquías, sin barreras y sin pretensiones.
Sobre Alterfocus
Alterfocus es una plataforma cultural que conecta a la comunidad creativa latinoamericana en Berlín con el paisaje cultural más amplio de la ciudad a través del arte y el intercambio colectivo. Desde sus inicios, ha fomentado proyectos independientes, colaborativos y experimentales que destacan la riqueza y diversidad de las voces artísticas latinoamericanas contemporáneas.
Contacto con el colectivo
📲 Instagram: @alterfocuskunst
📧 Contacto de prensa: alterfocusberlin@gmail.com
Perfil de las artistas participantes
Fernanda Porto Art (Medios Mixtos – Esculturas de Pared / Brasil)
Es una artista visual de medios mixtos cuyo trabajo actual se centra en esculturas de pared realizadas con polímeros no tóxicos. Originaria de Porto Alegre, Brasil, donde estudió Artes Visuales, Porto ahora vive y trabaja en Berlín, Alemania. Ha expuesto en muestras individuales y colectivas en Brasil y Europa, incluyendo su reciente exposición individual Ondas do Tempo en la 14.ª Bienal do Mercosul en Brasil, como parte de Portas para Arte en 2024. Su trabajo ha sido presentado en publicaciones internacionales como Collage to Change the World (España), y forma parte de colecciones privadas incluyendo la Colección Kanyer (EE.UU.). También ha participado en residencias artísticas en España y Alemania.
En su serie en curso Waves, Porto ha desarrollado una técnica única para crear esculturas de pared que exploran aproximaciones innovadoras a los materiales contemporáneos. Al combinar bioresinas y polímeros no tóxicos con pigmentos termosensibles, investiga la evolución de las resinas y el potencial de alternativas de base biológica y menos tóxicas, reflejando un fuerte compromiso con la innovación material y la conciencia ecológica. Las piezas resultantes expresan el ritmo y movimiento inherentes a su lenguaje visual. Inspirada tanto por fuerzas naturales como por física teórica innovadora, particularmente la teoría de cuerdas y la teoría cuántica, Porto explora formas ondulatorias como una manera de conectarse con la estructura subyacente de la realidad, postulando que la vibración y la energía son los elementos fundamentales de toda materia.
Descripción de la exposición. Desde mi punto de vista, el papel del arte no es dar respuestas, sino cuestionar y reinterpretar los temas críticos de nuestra era post-contemporánea. Esta necesidad de cuestionar es la fuerza impulsora detrás de mi serie actual, Waves.
¿Cómo empujamos la evolución de los materiales sintéticos hacia alternativas biológicas menos dañinas y más respetuosas con el medio ambiente? Esta pregunta central impulsa el estudio material en Waves. Trabajo con una técnica que he desarrollado, utilizando principalmente bioresinas y polímeros no tóxicos, asociados con tintas termocuradas. Esta experimentación es una indagación amplia sobre la innovación material, y refleja mi compromiso con el medio ambiente al encontrar alternativas ecológicas a los métodos tradicionales.
Mi fascinación se extiende a la vanguardia de la ciencia. Mi trabajo reinterpreta la propagación de la energía y la vibración, que la física teórica postula como los elementos fundamentales de toda materia. Inspirada por los principios subyacentes a la realidad—desde la teoría cuántica hasta la teoría de cuerdas—mis piezas encarnan este concepto. Guiada por esta estructura ondulatoria, creo formas que se liberan de moldes y estructuras rígidas, permitiendo que los materiales sean autoportantes y revelen su estabilidad intrínseca y carácter único.
Mi práctica permanece arraigada en el trabajo manual. Es la forma más directa y auténtica de crear, constituyendo una resistencia consciente contra la producción digital y la despersonalización. Cada pieza captura su propia energía y personalidad, encarnando mi búsqueda continua de la esencia, tanto en mi lenguaje visual como en la naturaleza inherente de los polímeros no tóxicos.
Muriel Gallardo Weinstein (Artes visuales interdisciplinarias / Chile)
(Santiago de Chile, 1980) es una artista visual interdisciplinaria chileno-italiana radicada en Berlín desde 2014. Estudió Artes Visuales y Pedagogía en Arte, tiene un MA en Artes Visuales de la Universidad de Chile, y un MA en Diseño Textil y de Superficies de la Weißensee Kunsthochschule Berlin. Ha participado en reconocidas residencias y programas artísticos como Künstlerhaus Bethanien, GlogauAir y Bloc. Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente en galerías y museos, incluyendo la Bienal Socle du Monde (Herning, 2021), An Endless Curve (Berlín, 2022) y Overflows (Basilea, 2023). También ha desarrollado proyectos por encargo para el 25hours Hotel One Central en Dubái (instalación permanente) y para el Museum Europäischer Kulturen en Berlín (ALL HANDS ON: Basketry, en curso).
Descripción de la exposición. Esta selección de obras se despliega en blanco y negro, donde la ausencia de color marca el momento de la realización. Cada pieza surge de la intimidad del gesto y el ritmo lento de los procesos manuales, conformando un lenguaje construido desde materiales esenciales que se abre hacia significados estratificados.
El entrecruzado de grafito da lugar a superficies profundas de tiempo, mientras que cortes precisos en cuero y biocuero extienden esta exploración hacia otras materialidades. El dibujo y el corte aparecen como formas diversas de encarnar el tiempo, con superficies que se vuelven metáforas de piel e identidad. La ausencia y la presencia se mantienen en equilibrio, formando un ritmo donde el silencio se sitúa junto a la forma.
A través de diferentes períodos y técnicas, las obras trazan una indagación continua sobre el significado del tiempo y las formas en que podría encarnarse. Proponen presencia de manera directa, invitando a un encuentro con la intimidad del hacer, donde la materialidad se convierte en un campo para imaginar nuevas formas de configurar el espacio y el tiempo.
Lila Papaya (Artes textiles y bordado / Colombia)
Es una artista colombiana y coach ontológica radicada en Berlín. Su trabajo conecta la expresión creativa y el desarrollo personal, combinando bordado y coaching como herramientas de reflexión, conexión y crecimiento.
Originaria de Bogotá, Angélica llegó a Italia a los 16 años, donde terminó la secundaria y completó sus estudios universitarios como traductora en español, italiano, inglés y francés. Su vida y trabajo han sido marcados por la migración y la experiencia de pertenecer a más de un lugar.
Después de vivir en muchas ciudades europeas, se estableció en Berlín en 2017. Un proceso de autoaprendizaje en esferas personales y profesionales la llevó a explorar la transformación y el desarrollo humano de manera más profunda. Durante el confinamiento de 2020, se formó como coach ontológica, un camino que se volvió central en su vocación. Ahora posee varios posgrados en coaching y disciplinas relacionadas, que moldean la forma en que apoya a individuos y comunidades.
Alrededor del mismo tiempo, Angélica descubrió el bordado, una práctica que pronto evolucionó hacia Lila Papaya, un proyecto que fusiona la exploración artística con la atención plena y el autodescubrimiento. El nombre refleja tanto herencia como visión. Lila honra el nombre de su abuela, quien también fue una hábil modista, y evoca la calma y la fuerza asociadas con el color mismo. También conecta a Angélica con un linaje de mujeres en su familia, incluyendo a su madre, que trabajó con fibras y bordado. Papaya recuerda sus raíces tropicales y la calidez de su tierra natal.
Lila Papaya reúne arte, coaching y educación a través de talleres creativos, encuentros reflexivos y la producción de piezas bordadas. Cada creación es única o producida en pequeñas series ecológicas, a menudo realizadas sobre prendas de segunda mano que reciben nueva vida a través del bordado a mano. A través de esta práctica, Angélica explora las posibilidades de la renovación, la sustentabilidad y la conexión emocional con lo que vestimos.
Su trabajo también se extiende más allá de las piezas terminadas. Al compartir su conocimiento, Angélica invita a otras personas a experimentar el bordado como una práctica consciente, una forma de encontrar ligereza, calma y presencia a través del ritmo de la aguja y el hilo.
Hoy continúa desarrollando Lila Papaya como un espacio donde el arte, el diálogo y la transformación se encuentran. Su trabajo explora identidad, memoria y pertenencia, ofreciendo una perspectiva contemplativa sobre lo que significa crear, reconectar y encontrar hogar a través de las culturas.
Descripción de la exposición. Esta exposición presenta una selección de piezas que exploran la memoria, la identidad y la vida cotidiana a través del bordado a mano. Las composiciones reflejan experiencias personales, encuentros, pensamientos y emociones reunidas a lo largo del camino.
El hilo temático que conecta estas obras es la expresión de la propia visión de Angélica a través del color. Se siente profundamente atraída por las combinaciones cromáticas y encuentra gran satisfacción al trabajar con fibras fuertes y vibrantes. Capturar la atención de quien observa y crear una sensación de «placer cromático» son intenciones centrales en la realización de cada pieza.
Las obras más significativas en esta «sopa de colores» son tres grandes estandartes bordados a mano, cada uno creado puntada por puntada en procesos llenos de emoción que duraron de 50 a 120 horas, dependiendo de su tamaño. Tantas horas de presencia, concentración y movimiento repetitivo de la mano convierten estas piezas en actos meditativos de creación. También llevan una historia.
Marcharon junto a Angélica durante las manifestaciones del 8M en Berlín. Estos textiles han recibido y compartido amor; han sido testigos de abrazos, lágrimas y emociones profundas entre mujeres. Son mágicos, inolvidables.
El trabajo de Angélica invita a quien lo observa a detenerse, a sentir y a disfrutar las emociones simples pero preciosas que a menudo se deslizan a través de la velocidad de la vida cotidiana. Para ella, el bordado es un espacio de descanso y silencio, un momento para volver a sí misma y al ritmo calmado de la creación.
El tiempo está en el núcleo de su práctica: cada pieza es una meditación sobre la paciencia, la presencia y el valor de ir más lento. Su trabajo nos recuerda que hay tiempo para todo, especialmente para detenerse y apreciar el momento.
Al final, esta exposición es una invitación tranquila: a divertirse siguiendo la propia inspiración y confiar en cada proceso.
Yoel Díaz Vázquez (Artes visuales interdisciplinarias / Cuba)
Es un artista visual interdisciplinario formado en la Academia de Bellas Artes San Alejandro. Vive y trabaja en Berlín desde 2006. Su trabajo explora cómo el poder, la ideología y las dinámicas coloniales moldean la memoria social, cultural e histórica, mientras también investiga respuestas individuales y colectivas que desafían estas estructuras.
Combinando técnicas digitales y analógicas—fotografía, video, dibujo, escultura y grabado—transforma materiales de archivo y sus propios registros documentales en nuevas narrativas, a menudo con un carácter revisionista y reparador. Un aspecto central de su práctica es la colaboración y la co-creación, desarrollando proyectos que involucran activamente a participantes y generan perspectivas compartidas.
El dibujo ocupa un lugar esencial en su carrera, particularmente en obras tempranas de naturaleza introspectiva y existencial, donde la línea, el gesto y la forma se convierten en un proceso de reflexión y transformación, revelando fragmentos de memoria y estados internos. Actualmente trabaja en un ambicioso proyecto de dibujo lleno de matices revisionistas y simbolismo.
Díaz Vázquez ha expuesto internacionalmente en eventos importantes como la Bienal de São Paulo, la Bienal de Gotemburgo y la Bienal Juan Downey de Artes Mediales en Chile, así como en espacios de arte incluyendo el Centre d’Art Santa Mònica (Barcelona), Spazio Oberdan (Milán), Museo De Antioquia (Medellín), SAVVY Contemporary y NGBK (Berlín), entre otros.
Descripción de la exposición. Flesh es una instalación compuesta por una serie de dibujos que exploran la materialidad del cuerpo y la vulnerabilidad compartida que todas las personas experimentamos como seres vivos. Cada imagen se origina del escaneo directo de cortes de carne (porcina, vacuna y ovina), impresos a escala real y transferidos manualmente sobre cartón usando papel carbón. Los dibujos se completan con lápiz de carboncillo, preservando una textura difusa que recuerda las antiguas litografías médicas. Este gesto transforma lo efímero en registro, como si formara parte de un archivo biológico o antropológico.
La instalación consta de nueve dibujos de fragmentos anónimos de carne y un décimo que representa un corazón de cerdo, anatómicamente cercano al humano y resonante en el imaginario cultural. Su presencia sugiere latidos ausentes y acentúa la tensión entre lo vital y lo inerte, entre la persistencia y la decadencia.
La carne, despojada de piel, rostro o forma reconocible, se convierte en una metáfora de lo existencial y lo arcaico dentro de nuestro cuerpo material. Es brutal y al mismo tiempo universal: dentro de estos fragmentos, todos los seres están unidos—humanos y animales, pobres y ricos. El proceso de transferencia y dibujo, lento y meticuloso, se convierte en un ejercicio de contemplación y contención, donde el cuerpo del artista limita su propio deseo de moverse.
Flesh reflexiona sobre la lucha esencial entre comer y ser comido, entre la resistencia y la desintegración. Como archivo de lo perecedero, busca perpetuar lo efímero, condensando en cada trazo la memoria de un cuerpo que ya no late pero perdura como metáfora de nuestra fragilidad compartida.
Francisca Poch (DJ / Chile)
Es una selectora musical chilena radicada en Berlín, donde ha estado viviendo durante casi siete años. Su trabajo se mueve entre el arte, el diseño y la música. El sonido y la pintura son las dos cosas que siempre la han atraído más.
Sus sets nacen de la curiosidad. Está constantemente buscando sonidos que evocan sentimientos, historias, imágenes. Se trata de encontrar ese tema desconocido que abre un mundo nuevo.
Al principio, su búsqueda se centró principalmente en sonidos orgánicos y rítmicos: música brasileña, soul, funk, disco. Después de mudarse a Berlín, se encontró con la «escena cósmica» local y de nicho (Camp Cosmic, Sameheads, Arkaoda, O Tannenbaum) y gradualmente derivó hacia territorios más experimentales. Música creada con sonidos que no había escuchado mucho antes, sonidos provenientes de sintetizadores. Un nuevo mundo se le abrió, y desde entonces, no ha dejado de buscar esas canciones que la hacen moverse y sentir profundamente.
Por eso en sus sets se puede escuchar música que va en muchas direcciones. Principalmente leftfield y electrónica temprana, downtempo, vanguardia, Neue Deutsche Welle (nueva ola alemana), krautrock, k-jazz, synth pop, post-punk y grabaciones de dormitorio. Probablemente más marcada por sonidos de los 80, pero también integrando muchos artistas contemporáneos que están haciendo música más experimental.
Isa Otoya (Música / Perú)
Es una artista musical nacida en Lima y actualmente radicada en Berlín. Se formó profesionalmente como compositora académica y cantante en Perú desde 2014, y, en 2022, se mudó a Europa para cursar estudios en producción musical e ingeniería de sonido. Hasta la fecha, ha autoproducido dos álbumes: De un Acorde (2021) y LLAR (2024), y actualmente se encuentra en la etapa de postproducción de su tercer álbum, programado para su lanzamiento en 2026.
Su portafolio abarca su trabajo como cantautora—fusionando música latinoamericana con elementos electrónicos y pop—así como su rol como compositora y productora, con obras académicas contemporáneas y piezas instrumentales para proyectos interdisciplinarios. Actualmente es miembro de «RETAMA», el primer colectivo de mujeres compositoras peruanas, el trío radicado en Berlín «Las Brujas», y el dúo de poesía y música «Seres Extraños».
Descripción de la performance: El set que presentará el 1 de noviembre incluirá voz, guitarra y electrónica. Su repertorio incluirá canciones originales y piezas instrumentales de su primer álbum y su más reciente trabajo inédito.
FULGOR III. Exposición de artistas latinoamericanos. Entradas: anticipadas €10 / €12 en puerta.
