Los días 23 y 24 de febrero se presenta en Dock11 (Kastanienallee 79, Berlín) este espectáculo que combina danza, música clásica, música electrónica y audiovisual, en una propuesta en torno a la industria alimentaria estandarizada, una pieza que explora la naturaleza dual del ser humano: desde la innovación creativa hasta la búsqueda intransigente del éxito económico a través del poder y el control. Reúne a un grupo de artistas de distintas disciplinas artísticas y de diversos orígenes geográficos. La impulsora del proyecto es Yeri Anarika, coreógrafa mexicana residente entre Brandeburgo y Berlín y con la que hemos conversado.
Buenos días. Estamos con Yeri Anarika, aquí, en Berlín, para hablar un poco del… No sé cómo llamarlo. ¿Espectáculo? ¿Evento? ¿Performance?
Sí, la obra que estamos presentando aquí en Berlín es una performance multidisciplinaria que combina danza, música y elementos multimedia en vivo. Esta fusión de diversas formas de arte contemporáneo la uso para transmitir y provocar emociones, y comunicar mensajes desde una perspectiva sensible y creativa.
Y la selección de las artes, ¿es a propósito o es circunstancial? ¿Tenías acceso a un bailarín, o a un músico, como la violoncelista, o tú primero prefiguraste el espectáculo y decidiste las artes, y luego buscaste a los artistas?
La selección de las disciplinas artísticas para el espectáculo fue guiada por la idea inicial de crear una obra de danza. Siendo yo coreógrafa, mi primer idioma es la danza, pero reconozco la importancia de contar con un soporte sonoro que complemente y enriquezca la experiencia escénica. El espacio sonoro es crucial para dar ritmo y movimiento, incluso si se decide utilizar momentos de silencio, lo cual es una decisión artística en sí misma y está intrínsecamente ligada a la danza y al espacio. Desde el inicio, al concebir la idea de la obra, pensé en la incorporación de Juan Tirado, un bailarín que sé que podría encarnar el personaje deseado, por su manera de ocupar el espacio, por su fuerza y su estilo de movimiento, y éste bailarín inspira la dirección creativa del proyecto. Por otro lado, la presencia de una violoncelista en vivo, con su conexión física y tangible con el instrumento, también surgió como una elección consciente para enriquecer la experiencia sensorial y emocional de la obra. Personalmente, me encanta escuchar y ver músicos en vivo y me atrae la fusión de elementos electrónicos y tecnológicos con lo tangible y real, creando así un espacio donde lo electrónico adquiera una dimensión física y sensible. También me encanta investigar con artistas de Video la manera de integrarlo multimedia de manera orgánica con la danza, aprovechando la colaboración con artistas especializados en este medio para enriquecer la narrativa visual de la obra. Esta combinación no solo amplía las posibilidades creativas, sino que también ofrece al espectador diferentes niveles de lectura y comprensión de los temas que queremos transmitir.
¿Por qué hablas de personaje cuando hablas del bailarín? Has dicho que te interesaba seleccionarlo a él porque corporeizaba muy bien el personaje que querías. ¿Hay una narrativa?
Como creadora, mi enfoque tiende más hacia la narrativa que hacia la abstracción. Si bien es cierto que en la danza se abstrae un tema, me interesa que el público pueda comprenderlo. Mi aproximación se asemeja un poco más al teatro, donde se desarrollan personajes que atraviesan un viaje escénico, con su historia previa y su evolución presente. Me gusta explorar este desarrollo de personajes para encontrar las emociones que forman parte de ese viaje artístico, y para trascender nuestra propia identidad como seres humanos. Es decir, en el escenario, el bailarín no es simplemente él mismo, sino que se sumerge en la piel de otro personaje, utilizando sus propias experiencias y emociones para dotarlo de profundidad. Esto añade un matiz que, obviamente, proviene de su propia esencia, sus emociones y su pasión. Al interpretar un personaje, nos alejamos de nuestra propia historia personal, lo que también nos permite proteger nuestras emociones y mantener la cordura en escena. Esta obra “InYourBody” resulta especialmente exigente para el bailarín Juan Tirado, dada la intensidad de la historia que estamos contando. Una manera de proteger a los artistas y, al mismo tiempo, permitirles jugar y explorar, es a través de la creación de personajes. De este modo, evitamos la repetición de nosotros mismos en el escenario y nos convertimos en verdaderos intérpretes. A través de nuestro cuerpo y nuestra emoción, transmitimos una historia, y este es el aspecto que más me motiva en la danza y en el espectáculo en general: la capacidad de crear espacios donde estas historias cobren vida.
Estaríamos hablando más de una dramaturgia que de una coreografía.
Sí… Realmente mi trabajo ahorita no es tanto coreográfico. Obviamente mis skills son de coreografía, pero es dirección escénica: es dirigir el espacio completo, el visual, el sonoro, el de movimiento… De hecho, el coreógrafo de sus propios movimientos es el bailarín. Ya no vienes tú como coreógrafo y montas una coreografía. Eso se sigue haciendo en show business, por ejemplo, la gente que hace jazz o que hace shows sí se necesita, y que todo esté perfecto y muy bien coreografiado, y son generalmente coreografías con mucha gente. Entonces sí necesitas tus skills de coreógrafo montando pasos que vayan con la música y con el show. Esa es una parte de ser coreógrafo, pero mi parte como creadora escénica es ser directora, se trata de poner una idea en ritmo, en tiempo, en espacio, y tener el conocimiento del cuerpo de tal manera que pueda generar corporeidades y no necesito tener textos sino que cada movimiento es una historia, es un texto. Viene de algún lugar, de alguna emoción. Por eso la conexión con el teatro., sin ser teatro.
Tu trabajo con el bailarín es bastante más complejo, afecta a más aspectos de la persona.
Sí, porque para crear obras como las que estoy desarrollando se requiere una gran cantidad de información. Hemos realizado una investigación sobre el grupo Monsanto, su origen y su evolución tras la adquisición por parte de Bayer. Exploramos tanto el gran éxito mundial del consorcio como los testimonios y las experiencias de las personas afectadas por cien más años de industria alimentaria tanto en el sur de América como en España, así como aquí en Uckermark, donde se gestó la idea de esta obra. Al vivir en el Uckermark, y pasear por sembradíos llenos de maíz me pregunto sobre la presencia del maíz en esta región, lo cual, desde mi perspectiva como mexicana, resultaba desconcertante en el norte de Alemania. Esta disonancia despierta cuestionamientos me impulsa a investigar, invitando a aquellos que colaboran en el proyecto a sumergirse en este proceso de descubrimiento de historias, emociones y cada vez más preguntas. No se trata simplemente de señalar lo que está bien o mal; la obra no tiene un enfoque activista explícito, pero sí llega a momentos éticos a partir de esta exploración.
La idea, entonces, surgió de un impacto que tuviste, una sorpresa, en el entorno de Brandenburgo. A partir de ahí, ¿qué haces? ¿Te pones a escribir, te pones a hablar…? ¿Cómo es el proceso hasta que tienes la obra encima de la mesa con unos bailarines, músicos, etcétera?
La idea para esta obra surgió en parte de un proyecto previo que realicé con niños, ya que también trabajo mucho en educación cultural. Este proyecto, titulado «Visiones del futuro». Junto con los niños, exploramos entre otras cosas, la diferencia entre una granja convencional y una granja biológica, investigando el uso de agroquímicos y las prácticas agrícolas alternativas. Este proceso despertó en mí un deseo de comprender más a fondo lo que estaba sucediendo en este ámbito, ya que descubrimos que no se trata simplemente de una dicotomía entre lo convencional y lo biológico, sino que ambas opciones tienen sus pros y sus contras. Este proceso de investigación me llevó a cuestionar quién está realmente detrás de las decisiones que tomamos en nuestra vida cotidiana, como qué productos compramos y dónde los adquirimos. ¿Qué fuerzas influyen en nuestras elecciones de consumo? ¿Por qué las cadenas de productos biológicos están ganando cada vez más fuerza en el mercado? Me di cuenta de que estos temas no solo me afectaban a mí, sino que eran preocupaciones compartidas por mi familia, mi comunidad y la sociedad en general. Estos temas nos afectan a todos y son parte de nuestra realidad actual. Entonces, decidí abordar estos temas en mi trabajo artístico, utilizando el arte como una forma de explorar y comprender mejor las complejidades de esta situación global en la que estamos inmersos. Es una manera de abordar temas que nos afectan a todos y de intentar comprender cómo estamos evolucionando en este mundo contemporáneo. En resumen, la obra surge de un profundo interés por entender y reflexionar sobre temas que nos afectan a todos en la sociedad actual.
La pregunta es sobre el proceso creativo, ¿cómo conviertes esta pregunta, esta inquietud que te impulsa, en un objeto artístico?
Busco las emociones que nos mueven. Emociones que nos afectan a todos. Parto de la información disponible y me sumerjo en la experiencia humana frente a situaciones cotidianas. Por ejemplo, en el supermercado, al elegir la carne y reflexionar sobre su precio y su contenido, ¿qué sentimos en ese momento? Personalmente, experimento una sensación de abrumamiento por la cantidad de opciones disponibles y la responsabilidad de leer cada etiqueta para tomar decisiones alimenticias. Esta experiencia me provoca miedo, angustia y también emociones contradictorias cuando tengo los recursos para comprar ciertos productos. Me interesa mucho la emoción del poder en todos estos todopoderosos. ¿Qué es el poder? Es algo que he ido ensayando desde hace tiempo. ¿Qué significa el poder y cómo afecta a quienes lo poseen? Por ejemplo, hice hace más de10 anos un solo donde me inspiré en el personaje de «la Reina del Sur» porque estaba buscando un personaje que tuviera un desarrollo extremo, de ser la tontita, la novia del Narco a tener ese poder, para ver cómo llegó ahí, cómo desarrollar un personaje en diferentes emociones y cómo nosotros mismos, cada uno de nosotros, entramos en esa sensación de poder cuando puedes tomar decisiones. ¿Qué significa eso? ¿Esa responsabilidad, en un capitalismo que crece más y más? ¿Por qué no podemos simplemente llegar a un lugar y disfrutarlo? Son cosas que me mueven en el momento en el que vivimos y miramos historias de gentes que se hacen ricas, empezando por mi país con toda la mafia… Me intrigó saber qué significa ese poder, cómo cambia la gente cuando tiene poder, qué pasa en ese ser humano, por qué se vuelve tan inhumano. Es una historia de poder: ¿quién mueve los hilos de lo que estamos ingiriendo cada día tú y yo?
Entonces te pasaste de un aspecto más emocional, a un aspecto más político, o ideológico, porque el análisis del poder, al fin y al cabo, es política, es ideología.
Sí. O sea, busco todas las emociones implicadas, pero también hay una cuestión de filosofía ética. ¿Qué nos está pasando como seres humanos? ¿Hacia dónde estamos yendo? ¿Qué tanto poder tenemos? ¿Qué hacemos nosotros?
¿Crees que se puede hacer este tipo de análisis y este tipo de propuestas sociales a través de la danza? ¿Es competencia de la danza hacer un análisis de las relaciones de poder en el entorno de la alimentación estandarizada?
Nuestro discurso artístico, aunque no siempre sea explícitamente social o activista, puede abordar temas socioeconómicos o sociopolíticos al aprovechar las emociones inherentes a estos temas. Creo que es responsabilidad de los artistas explorar estos temas y conectar con las emociones que subyacen en ellos, para así transmitirlas primero al bailarín que interpreta la obra, y luego a través de la música, logrando un impacto en el público. Cuando creamos una obra, no se trata simplemente de movimiento; cada movimiento está cargado de significado y contenido que resuena con nuestra experiencia cotidiana. Por eso, creo que los artistas tenemos la capacidad y, a veces, la responsabilidad de abordar temas que son relevantes para todos nosotros.
¿Cómo esperas que se reciba esta propuesta, con todos estos elementos que comentas? ¿Cómo te gustaría que se entendiera?
Espero que esta propuesta sea recibida con apertura por parte del público. Mi objetivo es que se entienda como una urgencia de abordar temas relacionados con nuestra vida. Vamos a estrenar una nueva versión de la obra en Berlin, una versión para escenario de una obra que realicé en Brandenburgo en un formato site specific (espacio alternativo) en mayo 2023, porque siento la necesidad de expresar un mensaje que considero importante en este momento y también porque crear, investigar y producir obras para sólo dar una función es algo que suele ser poco gratificante. Así que hacemos un esfuerzo por mantener y mejorar esta obra. En cuanto a la recepción de la obra, puede ser un desafío, ya que a menudo se tiende a banalizar estos asuntos. Sin embargo, se respalda con hechos. Por ejemplo, en la obra incluyo un video de 20 minutos que presenta un análisis detallado de cien años de desarrollo alimentario. Este video representa un desafío para el espectador y para mí como artista, ya que no es un documental convencional. Se exhibe fuera del espacio escénico principal, en el foyer, y los espectadores pueden verlo antes y después de la presentación. Inicialmente, la obra tenía una duración de tres horas y media y ofrecía una experiencia interactiva que invitaba al público a cuestionar lo que consumimos. Había degustaciones de alimentos regionales y comparaciones entre productos locales e importados, acompañadas de información detallada sobre su origen y procesamiento. Esta vez, vamos a regalar semillas como parte de la experiencia, con la esperanza de fomentar una reflexión más profunda sobre la importancia de nuestras elecciones alimentarias y su impacto en el mundo que nos rodea.
®Baldemar Bottini
Bueno, Yeri. La primera pregunta en cualquier entrevista no la he hecho todavía, tengo que hacerla, aun que estemos al final. ¿Puedes presentarte, para los que no te conocen?
Bueno, para los que no me conocen soy Yeri Anarika. Nací en Ciudad de México. Soy hija de actores, también director de escena. Nací cerca del teatro, se puede decir, y con 19 años me fui a Francia a seguir estudiando coreografía, y después empecé a buscar experiencia profesional. Mi idea no era vivir en Europa, pero me enamoré de un alemán, y he venido a Berlín primero, en 2003. Estuve trabajando muchos años con Constanza Macras, que es una coreógrafa argentina muy interesante también. Pude obtener muchas herramientas para ser muy real en escena, contar muchas historias, ella hace mucho storytelling, pero desde tu historia personal. Era muy interesante por la conjunción de bailarines y artistas de todo el mundo. Era muy emocionante para mí, ver cómo ponía en escena historias muy personales. Después he estado trabajando entre Berlín y Brandenburgo porque tengo la suerte de tener una casa en el campo, de alzar una asociación de danza allá, UMtanz e.V. Siempre tengo un pie aquí en Berlín. Trabajo muchas veces como coreógrafa en la Ópera, doy clases, y trato de mantenerme activa, pero Berlín es muy difícil para artistas contemporáneos libres que tengamos realmente recursos para crear. No he podido crear tanto aquí en Berlín, he creado más en México, en el Centro de producción de danza contemporánea, con Elisa Carrillo Cabrera. Me mantengo creando donde me dejan, no he parado de crear, ya sea con niños, con la comunidad, y siempre buscando esos temas que nos mueven. Tratando de darle a la gente algo real y algo que sentir.
Pues muchas gracias por todo lo que nos has contado, y que tengas mucho éxito con la presentación.
Breve sinopsis: «InYourBody» 2024
«InYourBody» desentraña la dualidad inherente al ser humano, explorando su capacidad creativa e innovadora, así como su disposición a ejercer control y obtener ganancias económicas a cualquier precio. La obra se inspira en momentos de la historia y el crecimiento de empresas multinacionales químico-agrícolas que dominan la producción alimentaria a nivel mundial, explorando las complejas emociones humanas que surgen de esta realidad.
La producción escénica, programada para estrenarse el 23 de febrero de 2024 en Berlín, fusiona la interpretación del bailarín español Juan Tirado, la Crumb Sonate y P. Glass solo para violonchelo interpretada por Luise Rau, la música electrónica y performance de la danesa Katrine Bregnum, la investigación visual y acústica del artista de video Paul Rohlfs, y el diseño multimedia y de luz del artista canadiense Joseph Devitt-Tremblay, todo bajo la idea y dirección artística de Yeri Anarika.
Este espectáculo de danza, música y multimedia ofrece un mensaje sobre las consecuencias del progreso tecnológico y la globalización en la producción alimentaria, explorando especialmente la delgada línea entre genialidad y locura, naturaleza y tecnología. «InYourBody» se convierte así en un viaje emocional que resalta los impactos de la alimentación estandarizada y la industrialización en la experiencia humana y en el entorno ambiental, invitando a una reflexión sobre las decisiones que tomamos y su conexión intrínseca con el mundo que habitamos.
Breve reportaje de la performance del día 24 de febrero de 2024.
Reportaje completo en Facebook.
Créditos
La versión escénica actual fue producida por Yeri Anarika y apoyada por Cornelia Baumgart, bajo la asociación UMtanz. La primera fase de este proyecto se estrenó en mayo de 2023 y fue financiada por el Fonds Darstellende Künste con fondos del Comisario de Cultura y Medios de Comunicación del Gobierno Aleman.
- Idea, dirección artística, coreografía: Yeri Anarika
- Danza, coreografía: Juan Tirado
- Violonchelo: Felix Eugen Thieman
- Musica Electrónica: Katrine Bregnum
- Multimedia, iluminación: Joseph Devitt Tremblay
- Video-instalación: Paul Rohlfs
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